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Vous voulez faire de l’art ? Tu ferais mieux d’être riche : comment la culture australienne a verrouillé la classe ouvrière | Financement des arts

gRamant dans le centre du Queensland dans les années 1980, Ruth Clare ne savait même pas qu’une carrière dans les arts était une possibilité. Rockhampton était une “ville de bœuf”, dit-elle, pleine de cow-boys et de mineurs, où il n’y avait rien d’autre à faire que de boire. Sa mère au foyer est devenue dépressive après le départ de son père, un vétéran de la guerre du Vietnam. Même après un passage dans un feuilleton télévisé majeur et avec un mémoire publié à son nom, Clare dit qu’elle est toujours aux prises avec le sentiment qu’elle n’appartient pas à l’industrie.

« Personne ne veut entendre cette histoire », me dit-elle. “Ce n’est pas une belle histoire.”

“J’étais un enfant intelligent avec beaucoup de talent, mais personne dans ma famille n’était allé à l’université avant moi. J’étais déterminé à réussir pour pouvoir quitter Rockhampton, mais je suis allé dans une école de merde avec plus de 2 000 élèves et aucune opportunité culturelle ou artistique. Il n’y avait personne pour me guider. Je me sens toujours classe ouvrière, peu importe où je vis. Je navigue toujours dans le monde des arts comme un étranger total.

“Je navigue toujours dans le monde des arts comme un étranger total”: l’actrice australienne Ruth Clare

L’Australie n’aime pas parler de classe. Mais après avoir publié un appel sur les réseaux sociaux à la recherche de créatifs issus de la classe ouvrière comme moi, ils sont venus en masse : écrivains, acteurs, créateurs de théâtre et musiciens qui voulaient discuter des nombreux obstacles qui encombrent leur chemin vers le succès.

Il existe des écarts culturels, financiers et émotionnels entre les créatifs de la classe ouvrière et les gardiens aisés, en réseau et pour la plupart formés dans des écoles privées des arts et de la culture australiens. Il y a des obstacles supplémentaires auxquels sont confrontées les personnes de genre, de sexualité, de capacités et de races diverses, et celles qui vivent en dehors des grandes villes – conduisant à toute une culture créative qui, pour un étranger, semble largement monolithique : beaucoup de gens blancs et riches qui semblent déjà se connaître.

Dans le cas de Clare, l’effet cumulatif des années à essayer de se frayer un chemin lui a laissé le sentiment qu’elle n’a pas de place à la table. Et les défis s’accumulent. Au milieu de une crise locative et un crise du coût de la vie, la plupart des artistes de la classe ouvrière ne peuvent pas compter sur la banque de maman et papa ou d’un partenaire pour subventionner leur carrière. De nombreux créatifs prometteurs n’ont pas les ressources financières pour accéder aux opportunités de réseautage et d’éducation, et n’ont pas les moyens de tenir le coup assez longtemps pour faire une pause. Quand ils le font, il y a peu de capital social ou financier pour continuer – et l’impact dévastateur de la pandémie sur les industries artistiques en Australie n’a fait que rendre les choses plus difficiles.

“Ce n’est pas durable”

Le mois dernier, Evelyn Araluen a déclaré à Guardian Australia qu’elle était «à un chèque de paie de la pauvreté” lors de l’écriture de son recueil de poésie Dropbear, qui a remporté le prix Stella de 60 000 $. Dans son discours, elle a déclaré : « Les arts ne sont soutenus, à peine soutenus, que par un travail non rémunéré. Par la lutte et le sacrifice d’artistes et de travailleurs des arts qui acceptent des conditions de travail punitives et finalement intenables par amour et passion… Ce n’est pas durable, et cela ne l’a jamais été. Cette structure produit une inégalité massive de représentation et continuera de restreindre l’accès des créatifs issus de la classe ouvrière et des contextes marginalisés.

La lauréate du prix Stella Evelyn Araluen (à gauche) avec Melissa Lucashenko.
Evelyn Araluen (à gauche), lauréate du prix Stella, avec Melissa Lucashenko. Photographie : Marie-Luise Skibbe

Et cela semble être par conception. Des réductions continues du financement des arts par le gouvernement de coalition aux coupes dans écoles publiques et l’enseignement supérieur, la classe ouvrière et d’autres personnes marginalisées ont été tenus à l’écart de la conversation culturelle de la nation. Comme Alison Croggon l’a noté dans son récent essai La campagne pour détruire les artsle financement public continue de donner la priorité aux arts «élevés» et traditionnels que peu de gens peuvent se permettre d’expérimenter, et encore moins de créer, «en traçant une ligne entre l’art« légitime »pour les classes respectables et les indisciplinés, expérimentaux, différents et nouveaux».

“L’inégalité est intégrée à la structure”, déclare Ben Eltham, universitaire en arts à l’Université Monash et co-auteur de le rapport Creativity in Crisis de l’Australia Institute. « La plupart des financements disponibles vont aux organisations artistiques, en particulier les 28 principales compagnies d’arts de la scène, avec très peu de financement pour les artistes ordinaires et indépendants. C’est très difficile pour un artiste émergent d’avoir une pause, et même quand ils le font, il n’y a pas beaucoup de soutien pour qu’ils continuent à travailler. C’est un marché où tout le monde gagne, lucratif pour quelques chanceux mais dont la plupart vivent en dessous du seuil de pauvreté.

Les salaires sont bas et le travail est précaire. « Si vous appartenez à la classe ouvrière, quelle est la probabilité que vous puissiez vous permettre de travailler dans des conditions précaires ? Il n’y a pas de cheminement de carrière durable, alors ils quittent le secteur culturel pour travailler dans des industries qui leur verseront un salaire décent.

Pas de chef-d’œuvre dans la pauvreté

En 2017, dans la dernière grande étude réalisée sur la question, l’Australia Council a constaté que les artistes gagnaient en moyenne 18 800 $ par an grâce à leur travail créatif. Pour les écrivains, c’est beaucoup plus bas, dont près de 50 % gagnent moins de 2 000 $ par année selon une enquête menée par l’Australian Society of Authors en 2020. C’était avant que ce qu’Eltham appelle une « météorite unique en un siècle » ne détruise le secteur en 2020, sous la forme d’une pandémie mondiale. Près de 40 % des emplois ont été supprimés au cours des trois premiers mois. De février 2020 à novembre 2021, les travailleurs des arts de la scène et des événements en direct ont signalé des pertes de revenus totalisant 417,2 millions de dollars et plus de 374 000 concerts annulés. C’est une perte moyenne de revenu de 25 000 $ par an pour chaque artiste, qui passera à 38 700 $ en 2021.

Le coût va au-delà du financier. La ligne d’assistance de la loi sur le soutien a signalé une augmentation de 300 % des appels, avec plus de 2 700 heures de conseils fournis à des clients dans tous les domaines artistiques. Données collectées par J’ai perdu mon concert l’année dernière a révélé que plus de la moitié (57 %) des travailleurs des arts de la scène et des événements en direct ont cherché du travail à l’extérieur de l’industrie.

Le secteur ne s’est toujours pas rétabli, mais le gouvernement fédéral annule ses plans de relance des arts, ce qui a entraîné une réduction de 19 % du financement fédéral des arts dans son dernier budget, soit une perte de 190 millions de dollars. Cela comprend des coupes dans le financement des arts régionaux de 10,5 millions de dollars et dans le cinéma et la télévision à hauteur de 45 millions de dollars. Il vient au milieu des appels à un revenu de base universel et des modèles de financement alternatifs, avec des programmes pilotes en Irlande et aux États-Unis ayant démontré ce qui est possible.

Au sol, la douleur se fait vivement sentir. L’écrivain Travis Hunter dit que si la diversité des genres présentait des obstacles lorsqu’ils ont commencé dans l’industrie, le fait d’être de la classe ouvrière en a fait une lutte permanente.

“Nous devons reconnaître que même pour percer dans les arts ces jours-ci, cela implique essentiellement de travailler à un emploi, non rémunéré, aussi longtemps qu’il faut pour se faire remarquer – et que ce n’est pas un modèle commercial qui peut jamais fonctionner pour travailler- classe et d’autres personnes marginalisées », disent-ils. « Il existe un chevauchement massif entre la classe et d’autres formes de marginalisation, en particulier pour la communauté transgenre et hétérogène, qui connaît des taux élevés de pauvreté et de chômage en raison de la discrimination.

«Participer aux arts peut être extrêmement bénéfique et habilitant pour les personnes de genres divers comme moi, mais tout véritable effort de diversité doit également s’attaquer aux obstacles matériels liés à la classe et aux désavantages économiques qui accompagnent la marginalisation. Cela signifie payer les créateurs pour leur temps et pour leur travail, pour commencer.

“Vous ne pouvez pas créer un chef-d’œuvre en vivant dans la pauvreté.”

Le combat pour l’éducation

L’auteur, dramaturge et chroniqueur du Guardian Australia, Van Badham, affirme qu’une grande partie du problème est le fait de ne pas reconnaître la division entre les classes des écoles publiques et privées dans les industries culturelles. “Bien sûr, il y a des gens des écoles publiques dans les industries culturelles”, dit-elle. “Mais pas – d’après mon expérience – à des chiffres qui représentent la population générale.”

Les données sur ce point sont insaisissables. Alors que les compagnies artistiques s’auto-évaluent régulièrement pour la diversité, l’origine de la classe n’est pas un critère. Ce que nous savons, c’est que plus de 65% des enfants australiens en 2021 est allé dans des écoles publiques, mais le financement des écoles publiques dans le dernier budget électoral a été réduit d’un demi-milliard de dollars. Si la Coalition est réélue, le financement des écoles privées augmentera de plus de 2 milliards de dollars.

Selon le Rapport sur la créativité en temps de crise, la musique et l’éducation artistique ont été anéanties à la suite des coupes budgétaires persistantes dans les écoles publiques. “Pas de nouvelle salle de musique, pas de pièce de fin d’année, pas d’artistes invités… cela a un impact énorme sur les enfants de la classe ouvrière”, déclare Badham.

Élevé dans la banlieue sud de Sydney, Badham fait fièrement partie de la classe ouvrière. Après avoir étudié les arts créatifs à l’Université de Wollongong, elle a poursuivi une carrière artistique à Londres pendant 10 ans.

Badham pense que l’Australie a une “cécité de classe délibérée”. L’avantage à l’étranger, dit-elle, était que “personne ne pouvait entendre mon accent de bogan”.

Même parmi les Britanniques soucieux de leur classe, Badham « a été repéré et développé en tant qu’artiste, a obtenu des emplois et noué des contacts. De retour en Australie, la réception était plus souvent : « Pourquoi la serveuse parle-t-elle de dramaturgie ? Les enfants de la classe ouvrière sont intimidés par les forums artistiques. Personne ne veut vraiment être traité comme un paysan stupide.

Le secteur universitaire est une autre pièce du casse-tête. La décision de la Coalition de augmenter les frais d’inscription aux diplômes en sciences humaines et en arts – plus que doublés dans certains cas – fait de l’enseignement supérieur pour les artistes de la classe ouvrière un investissement douteux. Et avec les universités exclues de la subvention aux gardiens d’emploi pendant la pandémie, ainsi qu’une baisse du financement fédéral de plus d’un milliard de dollars au cours des quatre prochaines années, le secteur de l’enseignement supérieur a été mis à genoux.

La pièce de Van Badham Banging Denmark a été présentée à la compagnie de théâtre de Sydney en 2019.
La pièce de théâtre Banging Denmark de Van Badham a été mise en scène par la Sydney Theatre Company en 2019. Badham pense que l’Australie a une «cécité de classe volontaire». Photographie: Prudence Upton

La pression financière a conduit à la fermeture de plusieurs écoles d’art et diplômes à travers le pays au cours des deux dernières années. Cela comprend le Centre de théâtre et de performance de l’Université Monash, les départements d’art dramatique de l’Université de Newcastle et de l’Université de Latrobe, et les cours de beaux-arts de l’Université Griffith, de l’Université nationale australienne, de l’Université de NSW, de l’Université de Sydney et de l’Université Charles Sturt. Le manque d’accès à une éducation artistique abordable qui en résulte a mis une carrière dans le secteur hors de portée pour beaucoup.

À l’aide de données de 2017-2018, le gouvernement fédéral lui-même a estimé que l’activité culturelle et créative a contribué 115,2 milliards de dollars à l’économie australienne chaque année, employant environ 645 000 Australiens. Les arts nous aident à nous définir en tant que nation et à façonner notre culture, mais alors que 32 % des Australiens se situent dans les tranches “à faible revenu” et “pauvres”, selon des données récentes de l’OCDEles perspectives de la classe ouvrière manquent à cette conversation.

Et avec les jours d’élections et aucune politique artistique en vue de l’un ou l’autre des principaux partis, l’Australie risque de perdre une génération d’artistes de la classe ouvrière – et leurs idées, voix et histoires – dans l’obscurité. Comme l’a dit Araluen dans son discours du prix Stella : “Je doute que nous sachions jamais combien les arts ont perdu au cours de ces dernières années.”

«Les gens de la classe ouvrière ont des histoires à raconter qui apportent un équilibre bien nécessaire à la société», dit Clare. “Nous devons reconnaître les obstacles auxquels ils sont confrontés qui empêchent que ces histoires soient racontées.”

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